年表

过去一周,我花了一些时间整理网站上的图片。对我来说,我的网站就像是图片的花园。让事物随着时间增长的空间。

I 有 just re-introduced a few portfolios that I couldn’t find space for. There are a few reasons why I take some of the portfolios off-line for a while, but mainly it is due to layout concerns:

1) I may 有 a portfolio that does not fit with the rest, maybe due to the tonal palette or subject matter.

2) I may 有 too many portfolios of the same region shot over many years, and in order to give the site some kind of clarity, will remove portfolios which I feel aren’t necessary to convey where my 风格 is going.

3)我认为我的网站也是一个随处可见我风格的适应或变化的地方。

4) I am maybe unsatisfied with some of the work, so it gets shelved. Over the years, I 有 found it increasingly difficult to keep my older work on the site, because it feels too far removed from where I am now. Or I am now quite embarrassed by the work (which in my view is an indication of growth).

I thought it would be good to show the new sections of the site, and perhaps describe how I 有 chosen to lay them out.

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The page above is my most recent work. As a beginner photographer I am convinced I would 有 considered this work to 有 no colour whatsoever. But just for comparison, I show you the images below converted to black and white. You can now see that there is indeed colour in the work above. But I am sure for many they may perceive it as having none.

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有趣的是,看着我八年前及以后的作品,色彩感觉太浓,太明显,而旧作品却说要努力。我个人认为,柔和的颜色来自您不需要理解的知识。 传达您的观点。我当然会认为它来自成熟的地方(嘻嘻嘻),但是我确实很想知道,一旦您摆脱了给工作留下深刻印象的需求,您便定居于您可以轻松地完成自己的工作,并且感觉到自己已经弄清楚要表达自己的观点需要多少对比度和颜色。

I’d like to point out that none of this has been done with any premeditated intent. It’s just been an evolution of sorts and I’m never too clear as to whether this is just a case that my tastes 有 changed over the years, or whether it’s more a case that I’m seeing and 注意 things more. I’d of course love to 认为 it’s the latter ;-)

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在上面的页面中,如果我单独看待这个问题,我可能会假设我的工作自2017年以来没有太大变化。只有当我与最近的工作进行直接比较时,我才能看到最近的工作正在进一步减少色彩和减少主题。也许是一个微调? (我想这样想!)

但您可以看到该图像集中还有更多颜色。我认为静音是我的学习经验。冬季去冰岛的Fjallabak地区(右下),那里几乎没有色彩-我用彩色胶卷拍摄黑白场景,从中学到了很多。

I 有 often said that certain landscapes, if you meet them at the right time in your own photographic development - can move your photography along in leaps and bounds. I am convinced that had I stayed in IT, and never been able to shoot so much, and go to so many of these winter places over the past 10 years, that my 风格 maybe wouldn’t 有 moved on so much, if at all. I’m convinced that working in the 在 terior of 冰岛, reducing things down to their utmost basic elements, gave me the permission to attempt to do the same with less empty landscapes.

我很高兴重新引入我的罗马尼亚,哈里斯和一些更小的Fjallabak投资组合。我几乎忘记了它们:-)但是,既然我在网站上重新引入了它们,我认为关于我自己的进步还有一个更完整的故事(至少对我而言)。

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在上面的页面中,您可以看到更多的具有“传统”外观的景观与我喜欢使用的图形元素的混合。在制作这些文字时,我当时在想我可能会尽可能简化。并不是说我有意识地努力去实现它。尽管其他人认为我对景观进行了解构,但我所做的一切都是纯粹的情感。我不。我只是拍摄吸引我的东西。

但是看着这些,阿根廷的圆锥形状(左上),使我对构图的图形本质有了很多了解。有时候,形状就足以形成强大的图像。我当然要对我说,从2016年到2017年,这一系列作品中有一些顿悟。与冰岛的Fjallabak地区合作使我开始减少色彩,将黑人视为负面空间。我还发现,这对我个人而言,这里的Altiplano镜头并不是我最强的。我感觉到这一点,我已经尽我所能从玻利维亚的高原上“挖”出来了,这是我在那里工作的尾声。我知道关于Altiplano的书几乎已经准备好了,因为我开始用尽各种想法并在这种情况下看到新事物。我认为这是完全自然的事情,或者表明您在某个地区的工作已经结束,或者您目前的风格和能力水平无法进一步提高。也许如果我十年后回来,可能会发现我可以在一个老朋友那里看到新事物?

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在上面的页面中,我能够重新介绍2012年冰岛海岸线上的一些早期工作,以及2012年以来玻利维亚高原的一些早期工作(最后两个投资组合)。

通过将该页面与我最近的工作进行对比,很明显,我在潜意识中一直在进行减色任务以及减少色调分散的任务。就像我说的那样,这并不是我有意识地做出的任何决定。我只是认为我的风格已经演变。

对我来说有趣的是,这些图像只是在我认为可以显示给您的周围。从2011年到我开始工作时的旧工作-不再适合我。我觉得颜色太艳丽而对比度太难了,我觉得在我更老的作品中,有必要阐明我的观点,也许太多了。

I do feel that all the landscapes I’ve shot over the years 有 been great teachers. There are many places that I went to that never amounted to anything (Yosemite valley springs to mind) where I could do nothing with the subject matter, or where I found the location too hard, too difficult to work with (I still 认为 苏格兰 is like that - there is just too much chaos in the landscape, too much tonal distractions for example). I tend to go back to landscapes that allow me to grow and I 认为 I’m good at figuring out when a landscape allows me to do that.

I 有 often said that many photographers try to shoot landscapes that are too difficult for their current level of ability. It is much better to focus on the landscapes where you feel you are getting somewhere with. I am convinced that they are growing places for you. It is my view therefore that returning to a key number of places over the years, as I 有 done, allows for more intimate study and growth of one’s own 风格. The subject matter to a degree informs the 风格, and the 风格 to a degree informs what you choose to shoot.

As I said at the beginning of this post today, I look at my 网站 as a garden. I am often able to see where my 风格 has evolved over time, and also how my images in certain landscapes 有 changed over the years.

页面排序& Balancing

几天前,我开始着手对图像进行打样以包括在我的下一本书中。令人怀疑的是,一旦打印出图像,我发现很多问题。其中一些与图像的黑白点有关,但也与剪裁有关,这是由于我要校样的纸张色域减小所致。我发现我必须使较高的色调寄存器保持平稳,以使图像位于页面上而不会发生任何平坦的剪裁。

我知道在工作排序方面,我将面临挑战。在上面看到的校样快照中,我花费了大量时间将图像彼此匹配,以使左右页面上的图像相互称呼或相互融合。对我来说,这是关于选择正确的图像的开始。然后,当我让它们彼此并排放置时(我在Photoshop中使用“查看” /“两合一垂直”并排查看两个图像,我可以注意到两个并排图像之间是否存在晃动的光度,或色偏-例如,一个黑色的沙漠中可能有更多的蓝色,而位于相反页面上的互补图像则可能有更多的红色,有时可以“调整”这些颜色。为了更好地和其他时间一起坐着,我只是发现当图像的色彩平衡被调离当前的色温时,图像不起作用。

To me, this is ‘mastering’. I am trying to get the entire set of images to sit well together, and for that to happen, it’s never really about subject matter, or geographic location. It’s all about whether the tones and colours (or perhaps for some of you, monochromatic tones) that matters. Images 有 to sit on opposite pages in a way that they work together as a set. But the work also has to flow through the book as well.

我真的很喜欢这个过程。我认为不错的图像,当我打印出来并注意到进一步的调整和增强时,它们变得特别。这就像锦上添花。

要真正从工作中获得最大收益,打印是必不可少的。而且,这使我对自己的作品在即将出版的书中所能获得的成就充满信心。

彩色摆摆

我发现每次编辑一组新图像时,我对颜色的应用都会有所不同。有时作品的色调非常柔和。有时作品的色彩太多,几天后我发现我正在重新调整作品以使其更加静音。

问题的一部分是颜色的恒定性,或者是自己缺乏正确衡量颜色强度的能力,一个人盯着作品看的越多。问题的部分原因是我仍在弄清楚自己的风格,随着心情的变化,我对工作的感觉也随之变化。有时作品是鲜明而单色的,根本没有任何色彩。其他时候,作品色彩丰富,我觉得需要调低色彩。

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这不仅是我心情变化的情况。这主要与我们的大脑所看到的“自动白平衡”有关。我们的视觉系统天生就可以补偿。我们所感知的并不总是正确的。

And I’m sure I’m not alone. Most of us 有 a hard time judging the level of colour to use in our work.

I’ve seen some photographers who completely lack any colour judgement at all. The work is overly garish, the colours sci-fi, horrific in application because there’s just simply too many strong colours competing with each other. I am convinced that photographers who create this kind of work are at the beginning of their photographic journey. They 有n’t developed their colour awareness yet, and are still very much in love with the need to over-excite the work they create. They are so enraptured by having strong colour in their work that we can’t get past it. I believe this, because I suffered from this in my early years.

当我回顾我以前的工作时,色彩的精细应用几乎不存在。尽管当时我认为照片中的色彩很棒,但我现在意识到我是基于“更多就是好”的信念而工作的。我有很多东西要学。

当时,我对色彩关系一无所知,更不用说过多的色彩或框架中的竞争色彩会破坏构图。我也不知道构图不仅仅是将主题放在框架中的艺术。构图也与颜色的应用以及色调和形式有关。这三个要素中的每个要素都必须相互配合才能使组合成功。仅仅在我的图像上抹上很多强烈的色彩充其量是笨拙的,而在最坏的情况下会使我的图像显得幼稚。

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而现在二十年后的今天,我仍然在争夺色彩。在那方面,我正在努力“使用多少”。换句话说,我对使用颜色的程度感到困惑。我很欣赏颜色取决于主题,以及实际提供的风景。有些地方只是色彩缤纷,而其他地方自然则少。因此,我了解到有些照片或图片档案要求很少的颜色,而另一些则需要选择性地应用颜色以辅助构图。

我最近从巴西拍摄的照片很有趣,因为对我来说似乎恢复了更浓的色彩。它们是我一段时间以来制作的最强大的彩色图像集。

但是,如果我看一下十年前的色彩使用方式,那会发现当时的应用范围更广,更笨拙。如今,我更具选择性。我觉得我可以在不使构图复杂的情况下产生彩色图像。

颜色是一种平衡行为。

Put too much in and you can swamp your compositions and ruin your work. Put in too little, and the image can appear dead or lifeless. Some sets of images require more colour than others, and of course we 有 our visual perception of colour to struggle with while we are deciding upon just how much colour is required.

使用颜色是一项技能。就像从事合成一样,就像终生学习一样,它是永无止境的学习经验,我们对色彩的运用也是如此。对于色彩应用来说,并非不可能一overnight而就,我们应该期望我们对色彩的感知会从过多摆动到摆动太少,然后又回来。

景观总监

I’ve just had to accept that certain landscapes are what they are. They 有 an uncanny knack of knowing how to direct you: they tell us what needs to be done. We just 有 to listen.

问题就出在这里。大多数时候,我们不听风景在告诉我们什么。相反,我们经常尝试在其上强加我们想要的东西。我们正在寻找什么。相反,我们不应寻找任何东西。我们应该是一个干净的人,随时准备在任何条件下工作。

我们中有多少人去了有预想的期望的地方?希望获得我们之前见过的特定镜头或相同条件?

去年,我在使用颜色方面遇到了问题。也许缺少它。我很高兴发现我的韩国形象中有很多色彩。从逐渐减少色彩,再到进一步减少色彩,到我开始将其重新引入到我的工作中,我感到钟摆摇摆了。

北海道并非如此。

As you can see above. These images may ‘appear’ to 有 little or perhaps no colour to you. All I can say in my defence is : it’s what the landscape directed me to do. I can’t make the landscape be anything it isn’t and rather than 有 an up-hill struggle to make it so, if I follow what the landscape tells me, things just tend to ‘flow’ much easier.

Hokkaido is not a landscape of strong colours. But it does 有 them. I 认为 the art in making good photos of Hokkaido isn’t necessarily about working with negative space. Neither is it about working with snow scenes only. I 认为 it’s about working with tone and colour responses. These are where the emotion of the picture reside.

雪不是白的。也不只是一种连续的音调。雪是大量的灰白色,细微的刻度贯穿整个景观。当我们开始拍摄时,我们的眼睛常常看不到这些细微差别,但是在计算机监视器进行编辑和审阅的时候,我们已经有了一些充分了解的时间,我们所有人都应该知道白色具有诱人的大量阴影和灰白色。

Hokkaido has been my director. It has guided me in my lessons over the past four or five years. I’ve learned so much from working in this landscape when I 有 chosen to listen to it.

颜色的钟摆

You 有 to go too far one way, in order to know where to dial it back. If you never go beyond your boundaries, then you’ll never know where they are.

I see changes in my photography happen slowly throughout the years I’ve been making images. I 认为 we 有 several muscles that need to be exercised: our visualisation muscle, our composition muscle, our tonal muscle and also with regards to today’s post: our colour muscle.

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Learning to use 颜色 is something many of us don’t even know we 有 to do. I remember in the early years of my photography how happy I was to just 有 very strong colour in my images. I never gave colour much thought except ‘is it punchy enough’.

现在,我看到了非常不同的颜色,并了解了一些颜色:

  1. 可能不称赞现场

  2. 如果太占主导地位,可能会引起分心

  3. 如果场景太多,可能会导致场景太忙

  4. 如果其中没有某种形式的颜色,可能会导致场景太“死”

  5. 颜色必须谨慎使用,因为它是我们所谓的“成分”的组成部分。

I 认为 I’ve been working on my 颜色-muscle for the past 4 or 5 years. Where I was once happy to just load up the photos with oversaturated colours that caused my eye to be thrown everywhere at the same time, I began a process of reduction. And further reduction, until I began to feel as if my work was just a shade away from being monochrome. I 有 a theory about this which I’d like to call ‘the pendulum of colour’.

彩色摆

We 有 to learn where the boundaries are. Boundaries are personal: your boundaries will be different from mine. But we all 有 to find them. Boundaries are important because they tell us a few things:

  1. 我们已经真正探索了这个领域

  2. 我们知道可接受性的极限在哪里

  3. Most importantly, that we 有 found we can go much further than we thought we could.

如果您没有超出您认为可以接受的范围,那么您如何知道自己已经走得足够远了?如果您对颜色,色调,构图,焦距的使用持保守态度,并且始终坚持使用相同的格式,那么您永远不会真正探索可能的方法。您没有发挥全部潜能。

So you 有 to go way beyond what you 认为 is acceptable to find out where your limits of acceptability are.

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I 认为, for most of us, our use of colour tends to 有 this kind of trajectory:

  1. We begin our photography by being delighted at having strong colours in the work. Any form of strong colour is great. But we still 有 to learn how to use colour selectively

  2. 随着岁月的流逝,我们开始厌倦彩色强烈的照片,并开始觉得我们需要找到更多的东西。我们开始注意到某些颜色令人不快,我们想减少它们或选择性地降低饱和度。这就是我所说的第一个摆幅摆动:我们现在在使用颜色时采用了另一种方式。

  3. 几年过去了,但我们发现我们对色偏,阴影深浅的色彩有了更多的了解,而这些阴影是我们开始摄影时从未见过的。的确,回顾我们的第一次尝试会使我们感到尴尬。

  4. 我们开始调整某些偏色。结果,照片变得更加静音。

At some point, you may feel you’ve reduced colour far too much in what you do. That’s where the 2nd pendulum swing happens. This pendulum swing is different though, for one reason: you 有 gained experience and understanding of colour. Although you may be re-introducing colour back into your work, you’re much more informed about where, when and just how much you need to use.

As I said at the start of this post today: “You 有 to go too far one way, in order to know where to dial it back. If you never go beyond your boundaries, then you’ll never know where they are.”

您对颜色的使用就像需要锻炼的肌肉一样。您需要将其推向远远超出通常所能发现的范围,以了解您是否还有更大的潜力。您还需要执行此操作以了解限制在哪里。拨回电话可以提供很多信息,因为您开始了解自己并不需要像以前那样需要那么多的颜色。当你已经这样做了,而你意识到你可以重新引入的颜色,但在选择性地应用,并与一个更深思熟虑的方法效果最好。

我们一直在变化。我们的品味,美学都在自己的摆幅上摇摆,但是每次我们回到前一段时间做的事情时,我们都是以改变的人的身份来做的。我们不再重复:相反,我们在做事上变得更好。

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色彩的宁静

我们一直在变化。发展或消退,甚至波动。但是,所有这些变化最终都会累积为“您现在与众不同”。

也许是我自己的摄影中“减色”阶段的开始。

也许是我自己的摄影中“减色”阶段的开始。

当我回头看以前的作品时,我发现它的色彩更多。今天,我一直在与我的一个朋友讨论我的“进步”,我在解释说对我来说,构图分为三个相互关联的层次。

  1. 结构体

  2. 亮度(音调)

  3. 颜色

当我们全部开始时,我们都会努力并专注于结构。对象在框架中的位置。确实,我认为我们大多数人都认为构图最终是关于将主题放置在框架中的位置。

2018-2017

2017-2015

2015-2011

对我来说,大概花了大约六年的时间,我才开始意识到被摄对象的亮度或色调特性也会影响构图。确实,我认为语气和结构是相互联系的。您不能只考虑结构就将对象放置在框架中。我敢肯定,您会发现,画面中某些被摄对象排列效果比其他对象更好的原因是由于它们的亮度/色调质量。因此,这两个组成层是相连的。

最后一个阶段是色彩。是的,没错-尽管色彩是我们大多数人的起点,而且我们经常对红色的天空感到满意,但以花哨的色彩冲洗的图片很快就变得令人厌倦,因为这些人对色彩敏感,因为色彩是构成构图的因素成功。

我认为,当您删除颜色时,所有好的彩色照片仍然有效。打开任何彩色照片,然后将其变为黑白。它仍然有效吗?那里的色调能够支持没有颜色的图像吗?好的照片在没有颜色成分的情况下仍然可以使用。

For me, I feel I’ve been on a quest the past four or so years to quieten the colour in my images. I worked on structure in my compositions for a long time, then I was 认为ing about luminance and how it related to structure. These days, I 认为 I’ve been reducing down the colour and in sense, 有 been playing with ‘how far can I reduce it?’.

人们需要找到边界,了解他们所处的地形,这样他们才能放开需要去的地方。

颜色是组成的重要组成部分。太多或太多的颜色会导致观看者的注意力同时向多个方向投掷。但是对于初学者来说,许多颜色似乎令人兴奋,诱人。多年以后,当您意识到通过减少颜色或使框架中的某些物体不饱和而使其他物体发光时,它会变得有些累人。

想要在色彩构成上变得更好吗?参加美术课。相机中的摄影和构图与画布或纸上的摄影和构图没有什么不同。如果您不会绘画,那就没问题了,忘了您是否需要学习这样做。美术课将使您了解构图在结构,色调和色彩方面的工作方式。

理解色彩理论的价值

我要对到目前为止购买了我的“色调关系”系列电子书的人们表示非常感谢。如果您一直在阅读和关注它们,那么现在您应该知道,我非常致力于处理照片中的色调,就像画家的工作方式一样。

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摄影不仅仅是单击快门并“在相机内正确设置”。相机看不到我们看到的方式。此外,如果人们认为单击快门后的任何事情都是“操纵”,那么他们就忘记了所使用的镜头的选择,所处的位置都具有解释性。

For me, photography is no different from being a painter. I may not paint with oils or watercolours, but I 有 to abide by the same rules and concepts that a painter has to: if you do an art class you will learn a lot of valuable lessons about composition. 在 deed, I encourage you to attend an evening art class. You will learn so much about tone and form that is all applicable to the art of landscape photography.

Which brings me to the point about my post today: as landscape photographers, we not only need to understand tone and form, but if we shoot colour, we also need to understand colour. How many times 有 you thought you could boost a certain colour in your picture only to find that although it seems as if it's present in the scene, it actually isn't 那里。 This my friend, is all down to a lack of understanding colour, how certain tones are made up by multiple colours. 

For me, understanding colour, is paramount in removing colour casts, and by tuning certain colours to fit with others. Rather than boosting a colour, I often find myself reducing colours that are at the opposite side of the colour wheel to the colour I want to boost. And it's not just a case of boosting / reducing colour that is required. Often I find I 有 to 'tune' a colour - by adjusting its hue I can remove casts or even 'tune' the colour to fit more in-line with other aspects of the photograph.

因此,我认为这是我在“音调关系”系列的第三部分中要写的内容。现在,它更像是一个主意。我还没有真正弄清楚电子书的含义,我发现有时将其搁置一段时间可以帮助我弄清这本书的目的。这就是“色调关系”第2部分电子书所发生的事情。那个花了我一年多的时间。我有时会陷入困境,不清楚我是否朝着正确的方向前进,何时发生这种情况,您可以做的最好的事情就是退缩,然后再做一会儿。因此,当您再次面对问题时,通常会更清楚地看到问题。

这就是我的意图。我希望写一本关于色彩的电子书,以及它如何应用于编辑照片,以及当我们在现场选择构图时的意义。您可能已经注意到,在过去的一段时间里,我变得迷恋色彩。也许您觉得我的照片变得更加柔和,几乎是单色的(对于某些人来说,它们现在看起来确实是单色的),但是一旦您开始真正使用它,彩色就变成了您想要精致地应用的东西。我有一个理论,那就是过于生动,响亮的彩色照片-属于初学者。一旦您开始真正看到所有的颜色干扰,就可以尝试使事物稍微平静下来(在我看来:很多)。我不是一秒钟地说,每个人都应该追求我最近采用的更柔和的外观:我的意思是,如果您能够解释色彩并更好地理解色彩:您将做出更加敏感和值得的选择在编辑过程中。

请不要屏住呼吸这本电子书。我敢肯定,要找到正确的方法来解决这个问题会花费我一段时间,而且由于我的工作日程安排,时间紧缺。

有时颜色太多,简直就是太多

当摄影师谈论极简主义的图像时,我们经常想到构图,其中有很多空间,框架中的对象非常简单。倾向于更多地考虑框架中的对象是一种倾向,而一个经常被忽视的方面是颜色。

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通过对使用的颜色非常有选择性,可以使图像更简单(或更安静)。作为初学者,我经常会欢迎尽可能多的色彩来显示图像。当我开始着手制作更简化的图像时,我想我很快就掌握了框架中的构图元素,但是构图的一个让我失望的方面是我对色彩的使用:我知道有些东西是错误或遗漏,花了我几年的时间才意识到有时色彩太多了。

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因此,如果您要简化照片,则不仅要访问极简主义的地方,或者要在画面中拍摄一两个对象。这也与减少色彩或对工作中使用的色彩量更具选择性有关。

我确实相信我们每个人都必须经历某些学习阶段。第一个是将一帧内的拍摄对象数量减少到可以支持强大构图的更连贯的组合。对于我们许多人来说,这确实是第一步。第二阶段是处理照片中包含的色调:我们现在在处理两个球:对象放置和对象之间的色调关系。第三阶段是我们对色彩的评估。随着时间的流逝,我们开始认识到,当减少或删除具有特定颜色的某些主题时,图像会变得更加简单,因为它们会使场景变得过于复杂。我们也了解到有时候有时候我们不需要太多颜色就能使图像正常工作。就我自己而言,有时我会创建彩色的单色图像。有些通常会简化为使用多种阴影的一种颜色的简单调色板。

But this can only happy when we are ready. And by being ready, I mean that we are now 'able to see'. I 认为 the reason why I 有 become more comfortable with reducing the colour palette of my photographs is because my awareness of colour has become more acute over time. Where I would once need to 有 a colour explosion of saturated hues thrown in my face, I now find it too overwhelming. If I'd tried to reduce the colour palette of my work 10 years ago, I wouldn't 有 been satisfied because I was still very much in love with the deeply saturated image.

你不能强迫事情。您只能知道自己对视觉世界的品味和看法正在如何变化,并相应地调整工作。这就是您所需要的,并且对自己的审美变化敏感,并将其应用到您的工作中,您就可以前进。

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组成的三种成分

通常根据将对象放置在框架中的位置来考虑构图。但是,如果我将主题扔出框架,或者最多只能给您提供一套非常有限的主题,该怎么办?您将如何构图,并考虑将它们组合成一个投资组合?如果您必须以某种方式将它们联系起来,那么统一的主题将是什么?是主题,位置,还是调色板,是将一组图像组合在一起的更有用的方法?

主题只是构图的一个方面。调色板和颜色关系是另外一个,最后,还有色调响应。我自己的作品通常在主题方面都很稀疏,所以我认为统一我的作品的是我所使用的调色板或色调响应。

在我最新的北海道作品中,我刻意去寻找一种几乎是黑色和“浅蓝色”色调的作品。鹤鸟的绝对黑色与北海道景观树木的深色调相匹配并统一:这是使该组合正常工作的两部分成分清单的一部分。第二部分是调色板。尽管我在岛上的那段时间实际上拍摄了很多“粉红日出”,但我仍觉得它们与我发现潜伏在冲洗过的胶卷中的一些更“柔和”的调色板图像不一致。 

在过去的几年中,我已经意识到,图像集合中的色调响应对于统一场景至关重要。图像实际上是由三个维度组成的:主题,颜色和色调。对我而言,将构图视为仅与主题相关的事物,就是忽略了危险的颜色和色调。

这就是为什么我认为我在Digital Darkroom中的工作是我所做工作的重要组成部分的原因。 单击快门只是图像创建过程的一小部分。确定工作中的主题和关系是此过程的重要组成部分,对于 将这些主题紧密结合在一起。

证明在印刷中

I've been working on my images for next year's exhibition (I know, it's a long way away, but I really need to utilise my free time - which is in short supply, when I 有 it). 

Despite having a calibrated monitor which I feel gives a very close representation of what I might expect to see on my prints, I 有 found that the only way to truly spot errors or inconsistencies in the tones of my images, 是打印它们,然后让它们躺在我的房子周围。

这并不意味着我的显示器没有任何缺陷,也没有校准或配置任何错误。实际上,如果我返回检查,通常会在监视器上看到我在最终打印中发现的任何问题。这暗示了一些事情:

1.人眼对电子图像的感知与对印刷图像的感知不同

2.为了充分利用您的工作,您确实需要打印它。

我为自己拥有一个经过严格校准的系统而感到自豪,如下图所示-我的Eizo显示器非常适合我的日光下观看两者,以至于我很少发现打印过时。但这并不能绕过以下事实:一旦我看到印刷形式的图像,我可能会发现它的色调方面没有我想像的那么强烈。回到显示器再看一遍,我会发现印刷品向我展示了在显示器上可见的工作中的问题,但是不知何故,只有当我以印刷形式看到它们时,我才意识到它们。

白天观察室和验证测试打印,以确认显示器已实际校准! (这是确认校准和配置文件的唯一方法)。

白天观察室和验证测试打印,以确认显示器已实际校准! (这是确认校准和配置文件的唯一方法)。

我认为*所有*摄影师*应该*打印。我意识到我们很多人没有。现在我们生活在数字时代,似乎打印已成为我们许多人不需要的东西。我们进行编辑,调整网络大小,然后上传。

But if you do care about your work, and wish to push it further along, then I can 认为 of no better thing to do than print it out. If you 有 a calibrated, colour managed system, then any problems you see in the print are most likely problems that you somehow weren't 'seeing' on the monitor. It is a chance for you to 'look again' and learn.

我从印刷中学到了很多。我已经意识到,我的显示器只能在某种程度上得到信任,并且如果在查看打印稿后进一步调整它们以提供更好的打印稿,我还将以电子形式对其进行改进。但主要是,我正在教我的眼睛真正看到音调不一致,并在将来更容易发现它们。这确实不是一件坏事,因为摄影毕竟是学习观察的行为。

设计简单:还原的艺术

我的好朋友和客户史黛西·威廉姆斯(Stacey Williams)上周在我们的Eigg研讨会上拍了这张照片。我认为它是高度大气的,实际上是简单的组成,并且在色调上非常精细地平衡。它告诉我我所需要知道的所有信息,而无需尝试将其拼写出来:这里没有响亮的色彩或上方的对比,只是一种内在的自信,向您展示苏格兰最上镜的海滩之一的美丽。

莱格湾,艾格岛,苏格兰。图片©Stacey Williams 2016,后期编辑Bruce Percy

莱格湾,艾格岛,苏格兰。
图片©Stacey Williams 2016,后期编辑Bruce Percy

然而,对于我们许多人来说,要获得如此简单的构图并不容易。我们很难将场景精炼成一条简单消息所需的减少。

I 有 a theory why this is.

很长一段时间,我已经意识到,当我们大多数人开始制作图片时,我们往往会使它们过于复杂。最终的图像经常会发生很多事情,并且在这种复杂性内还有色调/颜色冲突的附加维度。摄影是过去我们开始复杂并度过一生的少数几个时代之一,其目的是通过简化我们放入框架中的内容(或更重要的是,我们选择忽略的内容)来使照片更有效。

The reason why we start with overly-complex pictures is because we 有n't learned to truly 'see'. Photography is a life-long discipline on being able to really see what is before us and translate that into an effective photograph and if we aren't really aware of tonal conflicts, or distracting objects in the frame, we will tend to leave them in. This is why we can often find our final image doesn't look the way we thought it would. We tend to 'see' differently at the time of capture than the way we 'see' when we look at an image on our computer screen later on.

我问了很长时间:为什么会这样呢?我唯一能想到的是,我们对风景的观察与对图像的观察往往有所不同。许多成功的图像背后的艺术是,当我们在现场时,能够在风景中看到照片。我们中的许多人不这样做,是因为我们对在那里的元素不知所措,并且仍然无法将3D位置抽象为2D图像。

但是构图不仅仅是关于将对象放置在框架中的位置以及选择要留在框架外部的内容的问题。这也与理解场景中颜色和色调之间的关系有关。实际上,两者是相互关联的。 

同样,如果您无法真正“看到”框架内颜色和色调之间的关系,那么最终图像可能会充满复杂性。 “我从未在框架的角落看到红色的电话亭”,或者“前景中的石头真的很黑,我无法在邮寄中找回它,我希望我注意到当时的黑暗。捕获'。这是一个典型的响应,因为在拍摄时,我们太在意石头了,而不是在思考石头的色调或动态范围,以及他们是否会在最终照片中渲染足够的细节。

视觉意识真正摆在我们面前,这实际上是我们所有摄影工作的核心。如果在捕获时看不到音调分散或看不到冲突的颜色,则意味着在编辑阶段需要进行大量按摩和哄骗,这不是一个好主意。在录音中,“将其固定在最终混音中”的想法始终是一种不好的方法,最好在捕获时注意问题并对其进行处理。如果颜色冲突,则寻找替代组成,如果石头太黑而无法渲染,并且会在照片中以深色斑点的形式出现,那么也许可以去寻找色调更浅,渲染起来更容易的岩石。

回到Stacey的图片。她选择了海滩上非常空的地方。她还选择了一些非常简单的前景沙图案,这些图案在音调上足以引起人们的兴趣。她还给背景岛留了很多空间。编辑非常简单:我们在岛上添加了许多对比度,使其成为帧中的主要对象,但是我们在对图片进行几乎所有其他操作的同时进行了此操作,因为图片已经在工作。

如果您在构图方面苦苦挣扎,我的建议是寻找简单的空白处,并在框架内处理一两个主题。在图片中添加一块岩石,然后尝试将其放置在其他区域。还可以尝试不同音调反应的岩石。黑色的岩石在该场景中看起来如何?它会从背景沙色中脱颖而出吗?一块与海滩色调相似的岩石怎么样?它会同样有效地脱颖而出吗?

问题是,我们的眼睛认为令人愉悦,对于我们的图像而言通常过于复杂。良好的构图不仅是缩小框架中主题的行为,而且还在于理解哪些主题在音调上也最有效。我们的眼睛喜欢周围的更复杂的物体,但是当它们都塞满一张照片时它们就不起作用。

Good landscape composition is not something we master in a matter of weeks or months. It is a life-long journey in building up one's own visual awareness, of 注意 what will work, and just as importantly what won't. If you're in it for the long haul, and you 有 a curious mind, then that's a very good start indeed.

 

 

研究光的顿悟

当我回顾过去二十年的摄影时,我会记得很多时候 an epiphany - a 突然发现,什么样的光在照片中真的能很好地工作。

拉哥 Nordenskjöld,来自一个秘密地点&托雷斯·德尔·潘恩,智利巴塔哥尼亚。在阴天在午后的光线中拍摄。图片©Bruce Percy 2015

拉哥 Nordenskjöld,来自一个秘密地点 智利巴塔哥尼亚的托雷斯德尔潘恩。
在阴天在午后的光线中拍摄。
图片©Bruce Percy 2015

如果我总结一下,那就归结为这一点。 

我开始在晴朗的蓝天下拍摄,因为我的眼睛喜欢它。但是我发现我的相机没有,因为照片不会以“我看到它们”的方式出现。第一个顿悟是相机看不到我们所看到的方式,而人眼令人兴奋的是对比度太高,相机难以记录。

然后是第二个顿悟:如果我在日出或日落时拍摄,色彩通常很美,它使我的图像充满魔幻(或发光)的感觉,在我一直拍摄的阳光灿烂的日子里,直到那时,那一点。我了解到日出时光线很温暖,而且一个地方的气氛常常也很平静。与日出的暖色调相比,午间的光线是一种相当凉爽的光线。

很长一段时间,我什么也没做,只能在日出和日落时拍摄。在一天中的这些时间连续在柔和的光线下工作是一种很棒的学习经验,尽管我们都追求那些金色,但它们并不总是适合我们正在拍摄的环境。

在一个阴暗的,阴雨多雨的悲惨日子里,从艾格岛拍摄朗姆酒岛,在2007年,我教会了我很多关于阴暗光的知识,以及它在照片中的美丽之处。

在一个阴暗的,阴雨多雨的悲惨日子里,从艾格岛拍摄朗姆酒岛,在2007年,我教会了我很多关于阴暗光的知识,以及它在照片中的美丽之处。

经过多年的努力,冬天一个下午,我发现自己在一个非常潮湿的海滩上,又有了顿悟。 只要光线非常阴暗,午间的灯光也会起作用。直到现在我还没来  想象除了在黄金时段工作之外,我可以得到任何“心情”,并且自2007年这一刻起,我开始在一天的其他时间工作,前提是光线柔和。

在10年的时间里, 我已经从仅在阳光下拍摄到仅在黄金时段拍摄,然后终于回到中午采光,只要光线柔和。我对可以拍摄的光线的理解发生了变化,我知道柔和的灯光效果最好。

然后又发生了一个顿悟。尽管我可以在光线柔和的情况下拍摄任何地方,但在日出,日落和白天的中间,我发现有些图像无法正常工作,因为光线必须 适合主题。例如,如果光线非常冷/单色,冰岛的黑色火山岩海滩就可以很好地工作。用暖光组成一个单色的黑色海滩有时似乎彼此矛盾。风景真的不需要温暖的日出色调,如果有的话 was a distraction.

小浮冰  Laguna Armaga,Torres del Paine,智利巴塔哥尼亚冬天图片©Bruce Percy 2015

小浮冰 拉古纳·阿玛加(Laguna Armaga),托雷斯德尔潘恩,智利巴塔哥尼亚冬天
图片©Bruce Percy 2015

这些天我还是比较喜欢 可以在柔和的光线下工作,但是我尝试根据它们的色调和颜色来处理风景。有些地方本质上是单色的,因此我觉得它们在中性色温下效果最佳 (正午)。例如,  托雷斯德尔潘恩国家公园可以是单色主题。山是花岗岩灰色,上面有深色的沉积岩, 它的海滩由黑色火山岩组成。山脉 have 我对它们的外观非常呆板,因此,我发现仅在中午光线较冷的色温下通常可以更好地工作,而不是只尝试在日出和日落的温暖光芒下拍摄它们。

多年来,我逐渐意识到,美丽无处不在,并且可以在不同的色温下呈现,而不仅仅是日出和日落的金色光芒。

颜色恒定-我们如何愚弄自己

颜色恒定 - “感知物体具有相对能力 
在不同的照明条件下具有相同的颜色”


我已经说了好一阵子了,要成为一名优秀的摄影师,就需要增强意识-不仅是景观中的图案和主题,还包括色彩。

But colour is difficult to perceive accurately in the landscape, because our brains and visual system 有 evolved to allow us to perceive the same objects as having relatively the same colour under differing 照明条件。这个  一个非常有用的进化技巧,使我们能够 在变化的照明条件下识别物体,但 it can be a problem for photographers when trying to visualise how the final image will turn out. This is because cameras don't 有 colour-constancy - they record the variances in colour that a subject goes through when the source of light changes.

正如维基百科所说:

“例如,一个绿色的苹果在午夜时主照明是白色的阳光时对我们来说是绿色的,而在日落时则主照明是红色时的绿色。”

颜色恒定性:热气球的颜色 我们在外地时被感知为在阳光和阴影下是相同的,但是最终照片是否允许我们将它们感知为相同? (图片来源:维基百科)

颜色恒定性:热气球的颜色 我们在外地时被感知为在阳光和阴影下是相同的,但是最终照片是否允许我们将它们感知为相同? (图片来源:维基百科)

另一个例子是考虑在白色阳光下的白衬衫。这件衬衫对我们来说看起来是白色的,但是如果将其放置在绿色的阴影树下,则该衬衫现在采用了绿色,除非我们仍将其视为白色而不是绿色。 

对于我们摄影师来说,这是一个真正的问题,因为对于我们许多人来说,直到回家并查看图像之前,我们看不到绿色。 色彩恒定对我们没有摄影师那么有用 当我们希望看到物体将在胶片/数字传感器上呈现的实际颜色时。我们的视觉系统使我们相信,即使采取了较暖的色调,苹果仍然看起来是绿色的,或者即使现在采用了绿色,白色的衬衫还是白色的。

It is important to understand that objects do not 有 colour, but instead, that colour is an 'event'. We need three things for us to see colour: a light source, a subject, and of course 亲眼目睹主体反射的光线。随着光源的变化,从主体反射回来的光也会发生变化,结果其颜色也会变化。但是由于颜色的恒定性,我们可以感知到随着光源的变化,被摄对象的颜色相对稳定。

摄影机 do not see the way we see. They do not 有 colour constancy - if the apple takes on a different colour at sunset, then the camera sees and records the change in colour, but we in turn do not. Similarly, if the white shirt takes on a green cast whilst placed under a tree, then the camera is able to see this and record it also, whereas we do not.

唯一需要注意的是,当我们将相机的白平衡设置为“自动”时。执行此操作时,我们告诉相机“调出”任何色偏,并尝试将其记录的图像呈现为中午温度。因此,实际上,“自动白平衡”是相机自己获得色彩恒定的方式。 我认为我们不应该在相机中使用AWB(自动白平衡),因为我们可以有效地调出日出时出现的暖色调或黄昏时出现的冷色调。 

我认为颜色恒定是一个障碍。对于风景摄影师,我们真正需要看到的是颜色在变化的光源下如何变化。然而,我们的视觉系统正在尽其所能来“调优”一切,因此我们看不到这些颜色变化。您可以将色彩恒定视为我们自己内置的“自动白平衡”。 

当它们实际上是相同的亮度时,颜色恒定性使我们能够将正方形A和B视为不同。 (来源Wikipedia)。试试看-在Photoshop中打开此图像,并使用吸管工具检查正方形A和B的RGB值。您会发现它们都是R:120,G:120,B:120。

当它们实际上是相同的亮度时,颜色恒定性使我们能够将正方形A和B视为不同。 (来源Wikipedia)。试试看-在Photoshop中打开此图像,并使用吸管工具检查正方形A和B的RGB值。您会发现它们都是R:120,G:120,B:120。

注意我们自己的内置“白平衡”-我们调节这些颜色变化的能力非常重要。我们需要注意 从黄昏(冷,蓝色)到日出(洋红色,温暖)到中午(中性)的一天中存在的不同色温,以及它们如何影响我们拍摄的对象。

多年以来,我学会了更多地了解色彩恒定性如何影响我的判断。

大约一年前,我和一群参加研讨会的人站在海滩上。朝着太阳升起的地方有红色的天空,我知道这意味着如果光源很暖,整个景观将沐浴在相同的温暖色调中。对于许多摄影师,我首先注意到的是他们想朝着太阳拍摄,因为他们认为红色仅在那个方向上存在。他们没有感觉到其余的风景都沐浴在相同的温暖光线下,这是因为颜色的稳定性。 我问我的小组告诉我日出时云层是什么颜色。在我看来,它们是洋红色的。有趣的是,该小组中有一半说他们是洋红色的,而其余成员说云层是灰色的。只是在中午的编辑会议中回顾作品时,很明显风景是粉红色的,云彩也是,但是一半的人在拍摄时还没有意识到。

了解我们自己的视觉局限性,这是一项关键的认知技能,我们可以被认为是在变化的光照条件下,对象的颜色主要保持不变。

我的第一个数字暗房研讨会

我只是第一次领导而已 "实地考察到数字暗室“ 作坊,这需要将现场完成的工作与后期编辑阶段结合起来。我的课程基于我的电子书- “数字暗室-图像解释技术”

仍然是一部仍在进行中的电子书,但是当我在教授数字暗室解释技能时,我觉得我对应该包括的内容有了更好的了解。

仍然是一部仍在进行中的电子书,但是当我在教授数字暗室解释技能时,我觉得我对应该包括的内容有了更好的了解。

该课程在苏格兰西北部Adrian Hollister的Open Studio环境中进行。阿德里安(Adrian)举办了许多讲习班,其中有乔·康沃尔(Joe Cornish),大卫·沃德(David Ward),埃迪·欧弗拉姆(Eddie Euphramus)和奇妙的保罗·韦克菲尔德(Paul Wakefield)等著名人士。他的工作室有6台iMac计算机,所有计算机都进行了色彩校准,并且位于30分钟车程内的一些风景优美的门口。举办此类研讨会的理想场所。

我一直想进行这样的课程很长时间,因为我觉得编辑阶段通常被认为是几乎是次要的,孤立的任务,与捕获阶段无关。 

艾德里安·霍利斯特(Adrian Hollister)的数字暗房工作室,梅隆·查尔斯(Mellon Charles),韦斯特罗斯,苏格兰

艾德里安·霍利斯特(Adrian Hollister)的数字暗房工作室,梅隆·查尔斯(Mellon Charles),韦斯特罗斯,苏格兰

我坚信,实地调查工作和编辑阶段是相互关联的。我们的编辑课程向我们介绍了在捕获时我们没有注意到的事情,它们向我们说明了我们将来需要进一步了解的内容-如果我们选择进行连接!同样,一旦我们知道我们可以在数字暗室中推拉图像的距离,我们就可以在选择某些对象,对比度和光质的同时处于更明智的位置。两者之间具有共生的性质,因此对我而言,“后期”一词在“后期处理”中令人沮丧,使我们无法相信这两项任务是无关的。

实际上,我不喜欢“后处理”一词,因为它使整个编辑阶段听起来像是一种功能性的,没有感情的动作。您可以将图像粘贴在洗衣机中,转动几个转盘,使其自动运行。事实并非如此。编辑需要足够的意识-色调关系,竞争元素以及整个图像的流动。

在数字暗室中进行的调整应在 noticing 当我们改变作品的色调和对比时,如何影响我们的情感反应。与“感觉”和技术相关的事情很多。

因此,我提出了一个观点,即本周的讲习班将不会讲授photoshop或Lightroom。任何人都可以在自己的时间做到这一点,并且这种知识很容易获得。不,我想教的是如何解释您捕捉到的内容-观看并利用构图中存在的主题,注意帧内主题之间的色调关系,看清楚每个图像的底层结构几乎阐明了如何进行编辑以使这些图案进一步发展。 

The digital darkroom is a creative space, one where we can bring out the essence of the motifs we discover in the image. That's its primary function for me. I do not see this as a way for fixing bad images. A bad image is always a bad image. We 有 an expression here 'you can't polish a turd'. 取而代之的是,我认为这是一种展现美感和本质的方法,通过一些诠释,就可以在一个好的形象中找到美感和本质。

但是口译是一种技巧,就像构图一样,必须在我们参与摄影的整个生命周期中获得并加以改进。对此没有任何手册,只是提高了读取图像,了解正在发生的事情以及充分了解您的工具包(软件)的能力,以便能够提出您的解释。

因此,我很想知道在五天的指导和持续反馈后,我的参与者将如何编辑他们的工作。我肯定在大多数参与者的工作中看到了进步。当然,在每日评论中,我会注意到所有参与者都对可以采取的措施消除干扰或在工作中展现出主题的看法和意识,但是我没有想到的是,有些人会很远他们的编辑太微妙了,我认为有一些原因。

Firstly, each one of us has our own aesthetic. We 有 our own tastes. Some photographers are more interested in the verbatim. What they see out in the landscape is what they want to capture, and so the edits will be done with a lot of sympathy for how they perceived their reality.

其次,由于缺乏客观性,有些人可能会编辑不足。理想情况下,我们在捕获和编辑之间需要几个星期。我总是发现,如果尝试立即进行编辑工作很困难,因为我们经常对我们要传达的内容抱有很大的想法,并且如果图像在这方面不成功,我们可能会感到不成功。离开它几周,您将焕然一新。如果图像中有主题的任何主题,则您更有可能使用这些主题,因为您更愿意看到在捕获点还没有的其他事物。

Thirdly, I 认为 under-editing happens through a lack of confidence. Too scared to adjust the image too much because the photographer feels they don't 有 enough skill to know what to do. 但是我也认为这可能是因为他们觉得他们可能会在此过程中损失一些东西,并且可能会坚持现在的图像外观,并且看不到其他目的地。

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这是我最感兴趣的,我必须承认我感到没有明确的答案。编辑是一项源于多年自我完善的技能。如果我回顾自己的编辑能力,并考虑我十年前拍摄的图像,我会经常看到我知道图像中缺少某些东西,但是我无法全神贯注于它可能是什么。我看到它们中的音调错误,在编辑时,我的能力是如此失调,以至于我以为自己看到了美丽。在我可能被所选电影的强烈色彩所克服的地方,我现在看到了笨拙的剪辑。

Digital-darkroom skills take a lifetime of continuous self-improvement. We 有 to put the work in. But we also 有 to be smart about it. Simply cranking up contrasts or saturation across the board is a clumsy way to edit work, and it should be something that doesn't happen so much as it did when you began your editing career. But things only change if you take the time to consider and reflect on what might be the best way forward to edit your work, and self-awareness is something that has to be built upon over time.

我发现我的数字暗室研讨会确实对我的参与者有所帮助。有时候我觉得我把我的马带到水上,只是他们无法喝水,因为如果他们自己看不到它,那么我就不能强迫他们喝水。不能急于提高编辑技巧,但肯定是在野外工作一周,并在有喜欢的摄影师的电脑后面工作,这可能有助于提高人们的意识,而我相信这就是本周发生的事情。


约瑟夫·阿尔伯斯-色彩的互动

我已经说了一段时间了,数字暗室技能需要终生掌握。这是不断自我完善的旅程。仅仅购买Lightroom或Photoshop的副本并学习应用程序可能会为我们提供工具,但这并不能使我们成为出色的工匠。我们需要深入研究,而不是简单地在图像中添加对比度或饱和度,才能真正理解如何从编辑中获得最大的收益并推动摄影艺术向前发展。

约瑟夫·阿尔伯斯(Josef Albers)着迷“色彩的互动”。现在它是一本比较老的出版物,但是对于更好地理解色彩理论来说非常有用。

约瑟夫·阿尔伯斯(Josef Albers)着迷“色彩的互动”。现在它是一本比较老的出版物,但是对于更好地理解色彩理论来说非常有用。

最近,我对音调关系越来越感兴趣,更具体地说,是我们解释色彩的背后的理论。这是我对我的数字暗室解释技能的发展方式的认识而产生的。

Simply put, I believe we all 有 varying levels of visual awareness. Some of us may be more attuned to colour casts than others for example. While others may 有 more of an intuitive understanding of tonal relationships. 

最终,如果我们不了解选择编辑的图像内的色调和颜色关系,那么我们将永远无法对其进行特别出色的编辑。我认为这可能是为什么我们在网络上看到这么多不良编辑(读取为过度处理的图像)的情况。许多人过于依恋他们 认为 出现在图像中,对于真正的图像缺乏客观性 is 那里。 

因此,在过去的几周中,我一直在阅读有关视觉系统的一些非常有趣的书。例如,在布鲁斯·弗雷泽(Bruce Frazer)的“真实世界色彩管理”(Real World Color Management)书中,我了解到我们的眼睛无法以线性方式对光量做出反应。

过于简化的插图。它表明人眼无法感知现实世界中色调值的差异。我们的眼睛倾向于压缩较亮的色调,这就是为什么我们需要在数码相机上使用渐变,因为它们的响应是线性的,而我们的响应是非线性的。

过于简化的插图。它表明人眼无法感知现实世界中色调值的差异。我们的眼睛倾向于压缩较亮的色调,这就是为什么我们需要在数码相机上使用渐变,因为它们的响应是线性的,而我们的响应是非线性的。

We tend to compress the brighter tones and perceive them as the same luminosity as darker ones. A classic case would be that we can see textural detail in ground and also in sky, while our camera cannot. 摄影机 有 a linear response to the brightness values of the real world, while we 有 a non-linear response.

类似地,当我们将两个相似(但不相同)的音调放在一起时,我们可以分辨出它们之间的区别:

两种不同的色调。并排时容易注意到色调差异。

两种不同的色调。并排时容易注意到色调差异。

但是,当我们将它们分开放置时-我们无法轻易注意到音调差异:

两种不同的音调,相距很远。它们彼此之间的音调差异不太明显。

两种不同的音调,相距很远。它们彼此之间的音调差异不太明显。

我们的眼睛很容易被蒙蔽,而且我敢肯定,了解这种情况的原因只能帮助我进一步追求自己对所见事物的理解,无论它是在现实世界中还是在现实世界中。在电脑显示器上。

约瑟夫·阿尔伯斯(Josef Albers)着迷的著作《色彩的相互作用》(Interaction of 颜色)写于1950年代。我非常喜欢它,因为它:

“是记录学习色彩和教授色彩的实验方法的记录”。

他对这本书的介绍为我总结了我对我们的看法最感兴趣的地方-

“从视觉上看,几乎没有一种颜色是真实存在的,实际上是从物理上看不出来的。这一事实使颜色成为艺术中最相关的媒介”。

确实。您的作品的观看者如何解释您的图像所说的内容可能完全是主观的,但是在某些重要的生理和心理原因上,为什么其他人会以这种方式与您的作品建立联系。但最重要的是,如果我们自己不“看到”,那么我们将在编辑的创造性数字暗房阶段中迷失方向。

“这项研究的目的是通过经验,通过反复试验,发展出对色彩的关注。这意味着,特别是,看到色彩动作以及感觉色彩相关性”

这对我来说就是问题的核心。我知道当我编辑作品时,有时我需要将其放置几天,然后稍后再返回-以崭新的眼光看它。部分原因是我离工作太近了,离工作还有些距离,因此我可以更加客观地了解自己所做的工作。

But I also know that I don't see colour or tonal relationships so easily. I need to work at them. I am fully aware that I still 有 a long way to go (a life long journey in fact) to improve my eye. And surely this 是所有摄影师的真正追求-改善视力吗?

颜色的记忆

今年9月,当我在冰岛中部高原的Fjallabak地区时,我遇到了许多广阔的黑色沙漠。我以前曾在广阔的虚无景观中生活过,例如玻利维亚高原的乌尤尼盐沼和巴塔哥尼亚的南美大草原。

这些地方吸引着无尽的虚无,使人捉摸不透,寻找可以闩锁的东西。至少那是我的意思 认为 当人类遇到如此巨大而毫无特色的事物时,就会发生这种情况。

冰岛中部高地的许多黑色沙漠之一。正如我发现的那样,黑色可以有多种阴影和色调。

冰岛中部高地的许多黑色沙漠之一。正如我发现的那样,黑色可以有多种阴影和色调。

这对我来说并不新鲜。但是对我来说,新发现的是,黑色并不只是黑色。冰岛有许多不同类型的黑色沙漠。其中之一-在火山赫克拉(Hekla)附近,非常黑(感觉好像没有任何东西可以逃脱),以至于您意识到自己目睹的所有其他黑色沙漠都在很大程度上具有某种颜色。

在解释颜色时,有很多心理学在起作用。

布鲁斯·弗雷泽(Bruce Frazer)关于色彩管理的出色著作。每个摄影师都应阅读此书。

布鲁斯·弗雷泽(Bruce Frazer)关于色彩管理的出色著作。每个摄影师都应阅读此书。

例如,我一直在阅读布鲁斯·弗雷泽(Bruce Frazer)的绝妙著作《真实世界的色彩管理》,其中描述了与我们解释色彩有关的心理因素。颜色就是他所描述的“事件”。它是被物体反射并由观察者观看的光。

We 有 what he describes 'memory colour'. For instance, we know what skin tone looks like, and we all know the kind of blue a blue sky should be. We know 'from memory' how these colours should be. There are psychological expectations that certain colours should be certain colours. 

我认为这适用于我对冰岛黑色沙漠的看法。如果我说沙漠是黑色的,即使它可能是深的,浑浊的棕黑色或深的浑浊的紫黑色,我们仍将其视为黑色。

我认为大多数时候,我们许多人只是四处寻找颜色,而不是“看到颜色”。我们一直在使用记忆色,而很少考虑对象的真实颜色是什么。

例如,去年在一个研讨会上,我和我的小组在日出时都在非常粉红色的灯光下工作。知道整个景观都沐浴在粉红色的灯光下,而且我们当中很多人都没有注意到明显的偏色,所以我分别询问了我的小组云的颜色。小组的一半正确地说云是粉红色的,而另一半错误地说云是白色的。在这件事上,我的感觉是那些说云是白色的人-对他们认为云应该是什么样子的记忆。换句话说,它们根本没有真正注意到物体的颜色,而只是相信云是白色的。这是记忆色彩的一个很好的例子。

但是,让我们更进一步。但是,实际上这可能并不是颜色记忆。这可能只是我们内部的自动白平衡工作。众所周知,人类的视觉系统非常擅长适应不同的白光色调。如果在暮色中,我们可能看不到风景的蓝色温度(但是,如果我们在数码相机上拍照并查看直方图,我们肯定会注意到它是暮色的-这主要是因为蓝色通道中的信息,而红色和绿色通道中的信息很少)。同样,如果我们在家中坐在钨丝灯下,我们的视觉系统会适应并调整沐浴在其中的3000k暖色调。

我想我正在对冰岛的黑色沙漠应用“颜色记忆”-我不知道一个黑色沙漠与另一个黑色沙漠之间在色调上的细微差异,因为我刚刚附加了对我知道黑色应该是的记忆(所有黑人都是黑人吧?)。

意识到颜色的细微差异是一项艰苦的工作,因为我们的视觉系统已经发展到可以适应我们所处的环境。如果我们坐在粉红色的日出光下,我们可以将其调出。如果我们确实检测到任何粉红色,  它位于天空中最明显的区域,那里是太阳。这就是为什么大多数业余摄影师在日出时将相机对准太阳的原因(我倾向于将相机指向180º,因为我知道到处都是粉红色的光线,并且色调更柔和,更容易记录)。

如果我看到云,则认为它们是白色的,因为我的视觉系统具有自己的自动白平衡。如果我看到肤色,则使用颜色记忆来假定所有肤色都是相同的,而不管该人沐浴在哪种光线下。例如,如果某人站在绿树下,则会有一个由于记忆力的原因,我对它们的肤色没有绿色感。

我们一直在自欺欺人,但我们的相机却没有。它说的是事实,我认为这是今天的帖子的小结:成为一名优秀的摄影师就意味着要尽可能地了解色彩。

This is not an easy thing to do, because we are hijacked by our own evolution: our visual system tunes out colour casts all the time, and we also apply colour memory to familiar objects. We expect certain things to 有 certain colours, and as a result, we tend to ignore the subtle difference that the colour temperature of the light we're working in can 有.

正如我一直在对自己说的那样,当我处理来自冰岛的新图像时“并不是所有的黑色沙漠都是黑色的”。